Tafsir Kreatif dari Puisi Taufik Ismail

Salah satu sajian utama dalam pertunjukan ini adalah lakon Negeri Tanpa Pertanyaan, yang merupakan tafsir kreatif dari puisi karya Taufik Ismail berjudul Pelajaran Tata Bahasa dan Mengarang. Lakon ini dikemas melalui pendekatan puitik dan simbolik, membuka ruang interpretasi luas bagi penonton untuk merenungkan realitas sosial, terutama dalam konteks pendidikan.

Alih-alih menjadi reproduksi literal, pertunjukan ini membangun dialog lintas zaman antara teks sastra dan kondisi kekinian. Di sini, seni tidak diposisikan sebagai produk statis, melainkan sebagai medium refleksi yang terus hidup dan berkembang.

Kolaborasi Komunitas Seni di Kuningan

Menu Budaya Gembira merupakan hasil kerja kolektif berbagai komunitas dan pelaku seni di Kuningan, termasuk Bukusam, Dapur Sastra, Ethnic Music Ciremai Creative, GHC Dance Community, Kampung Gongeng Kuningan, Komunitas Maca, Rineka Sunda, Sanggar Tari Gema Prameswari, Teater Sado, Teater Istunink Smagar, Wihendar Local Musica, Yayasan Hibar Budaya Nusantara, serta Aduide Media. Keterlibatan beragam latar belakang, mulai dari teater, musik, tari, hingga sastra, menjadi fondasi utama terbentuknya pertunjukan ini.

Kolaborasi ini bukan hanya soal produksi karya, tetapi juga menciptakan ruang dialog, pertukaran gagasan, dan penguatan nilai-nilai kemanusiaan antar pelaku seni. Dalam konteks ekosistem kreatif lokal, pendekatan ini memperlihatkan potensi kolaboratif sebagai strategi keberlanjutan.

Merayakan Momentum Hari-Hari Seni Dunia

Penyelenggaraan acara ini juga beririsan dengan sejumlah momentum penting, seperti Hari Puisi Sedunia, Hari Tari Sedunia, Hari Musik Nasional, hingga Hari Teater Sedunia. Momentum tersebut dimaknai sebagai pengingat bahwa seni memiliki posisi esensial dalam kehidupan manusia, bukan sekadar pelengkap.

Dengan memanfaatkan konteks ini, Menu Budaya Gembira mencoba menghadirkan perayaan budaya yang lebih substansial, bukan hanya seremonial.

“Menu” sebagai Metafora Ragam Ekspresi

Pemilihan nama Menu Budaya Gembira mengandung makna metaforis. “Menu” merepresentasikan ragam sajian seni yang dihadirkan secara berurutan dan saling melengkapi, sementara “gembira” menjadi refleksi harapan akan terciptanya pengalaman emosional yang hangat dan menyenangkan bagi penonton.

Dalam kerangka ini, seni diposisikan sebagai “asupan gizi batin” yang melengkapi kebutuhan manusia, di tengah dominasi perhatian terhadap aspek fisik dalam kehidupan modern.

Penguatan Ekosistem Seni Lokal

Selain sebagai ruang ekspresi, kegiatan ini juga menjadi wadah pemberdayaan seniman lokal. Keterlibatan komunitas dan individu kreatif diharapkan mampu memperkuat ekosistem seni di daerah, sekaligus membuka peluang kolaborasi berkelanjutan di masa depan.

Kehadiran publik menjadi faktor krusial dalam siklus ini. Tanpa apresiasi dan partisipasi penonton, karya seni berisiko kehilangan konteks sosialnya.

Ajakan untuk Mengalami, Bukan Sekadar Menonton

Menu Budaya Gembira tidak hanya menawarkan pertunjukan, tetapi pengalaman. Sebuah ruang perjumpaan antara karya dan makna, antara seniman dan audiens, serta antara tubuh dan jiwa.

Di tengah ritme kehidupan yang semakin cepat, acara ini menjadi pengingat bahwa seni tetap relevan sebagai penyeimbang dan penguat nilai-nilai kemanusiaan. Lebih dari sekadar event, ini adalah upaya kolektif untuk menjaga keberlanjutan budaya sebagai milik bersama.

Peresmian BEEK menjadi penanda penting, bukan sebagai awal, melainkan sebagai pengakuan atas ekosistem yang sudah lebih dulu tumbuh.

Satu Tahun Aktivasi: BEEK Tumbuh Sebelum Diresmikan

Sebelum resmi diperkenalkan sebagai BEEK, ruang di Graha Wangi telah diisi oleh berbagai aktivitas kreatif. Program edukasi, pameran seni, diskusi, hingga kolaborasi lintas komunitas berlangsung secara konsisten.

Momentum satu tahun ini kemudian menjadi titik penanda peresmian BEEK sebagai identitas bersama. Peresmian ini melibatkan kolaborasi antara kolektif yang terhimpun di dalam BEEK, Sekolah Linimasa, SDN 2 Kuningan, dan turut mengundang warga sekitaran gedung Graha Wangi. BEEK kemudian diresmikan oleh Perwakilan Kementerian Kebudayaan Republik Indonesia dan didampingi oleh Pemerintah Kabupaten Kuningan, sekaligus menjadi pengakuan atas aktivitas yang telah lebih dulu tumbuh di dalamnya.

Dengan kata lain, BEEK tidak lahir dari nol, tetapi dari proses yang sudah berjalan dan teruji secara praktik. Hal ini menjadikan BEEK berbeda dari banyak ruang publik lain yang sering kali baru mencari bentuk setelah diresmikan.

Graha Wangi: Pemanfaatan Cagar Budaya sebagai Ruang Publik Kreatif

BEEK memanfaatkan bangunan cagar budaya Graha Wangi melalui skema sewa kepada pemerintah kabupaten. Langkah ini menunjukkan upaya konkret dalam mengaktifkan ruang bersejarah agar tetap relevan dengan kebutuhan masyarakat hari ini.

Pemanfaatan gedung Graha Wangi sebagai ruang kreatif di Kuningan juga memperlihatkan bagaimana bangunan cagar budaya dapat bertransformasi menjadi ruang publik yang produktif, tanpa kehilangan nilai historisnya.

BEEK Diisi Beragam Kolektif Kreatif

BEEK berkembang sebagai collective compound yang diisi oleh berbagai komunitas dan kolektif kreatif di Kuningan, di antaranya: Yayasan Tulisan dan Gambar (Tudgam), Kuningan Biennale, Sekolah Baik, Aduide, Dapur Maung, Kopi IU, Musik Kisum, dan Artshope. Keberagaman ini menghadirkan spektrum aktivitas yang luas, mulai dari seni visual, edukasi alternatif, media, hingga pengalaman kreatif berbasis kuliner dan musik.

Dengan berkumpulnya berbagai aktor dalam satu ruang, BEEK menjadi salah satu pusat aktivitas komunitas kreatif di Kuningan.

Ruang Temu dan Ekosistem Kreatif Kuningan

Sebagai ruang publik, BEEK tidak hanya berfungsi sebagai tempat kegiatan, tetapi juga sebagai ruang temu. Publik dapat mengakses berbagai program yang terbuka, sekaligus berinteraksi langsung dengan pelaku kreatif.

Kehadiran BEEK memperkuat ekosistem kreatif Kuningan dengan menyediakan ruang yang memungkinkan kolaborasi, pertukaran ide, dan pengembangan praktik kreatif secara berkelanjutan.

Dalam satu tahun perjalanannya, BEEK menunjukkan bahwa ruang kreatif dapat tumbuh dari aktivitas kolektif yang konsisten, bukan semata dari peresmian formal.

BEEK sebagai Ruang Kreatif yang Terus Berkembang

Dengan fondasi yang telah terbentuk, BEEK memiliki posisi strategis sebagai salah satu ruang kreatif di Kuningan yang aktif dan berkembang. Keberlanjutan ruang ini akan sangat ditentukan oleh konsistensi program dan keterlibatan komunitas di dalamnya.

Sebagai ruang yang tumbuh dari praktik bersama, BEEK tidak hanya menjadi tempat berkegiatan, tetapi juga menjadi bagian dari dinamika perkembangan budaya dan kreativitas lokal.

Program publik yang diselenggarakan pada 24 Januari 2026 menjadi wujud konkret dari gagasan tersebut. Melalui pertemuan antara musik, tari tradisi, tari kontemporer, dan teater, kegiatan ini menempatkan kolaborasi bukan sekadar sebagai penggabungan unsur-unsur seni, melainkan sebagai proses penciptaan bersama yang saling mempengaruhi.

Kolaborasi sebagai Ruang Pertemuan Estetika

Kegiatan program publik ini menghadirkan musik sebagai elemen pembuka dan pengikat suasana melalui penampilan Kampung Anak Rimba (AKAR). Keterlibatan Yusuf Oeblet dengan karya Fragmen Ruang Imajiner sebagai pengisi musik menghadirkan lanskap bunyi yang menjadi dasar atmosfer pertunjukan. Musik tidak berdiri sendiri, melainkan berinteraksi dengan gerak tari dan dramaturgi teater. Tari Topeng Losari yang dibawakan oleh Nani Dewi Sawitri bersama Sanggar Tari Topeng Losari menghadirkan kekuatan tradisi dalam ruang pertunjukan kontemporer.  Sementara itu, tari kontemporer yang dibawakan oleh Iing Sayuti dengan Nita Hernawati sebagai narator menghadirkan tubuh dan suara sebagai medium refleksi. Kehadiran narator memperluas makna gerak, menjadikan tari tidak hanya sebagai ekspresi visual, tetapi juga sebagai wacana.

Teater Sado sebagai Simpul Kolaborasi

Teater Sado memosisikan diri sebagai simpul kolaborasi yang merangkum berbagai disiplin seni tersebut. Dengan melibatkan Wihendar sebagai penata musik, pertunjukan teater tidak lagi bersifat tekstual semata, tetapi berkembang menjadi pengalaman audio-visual yang integral. Musik berperan sebagai elemen dramaturgis yang memperkuat narasi dan emosi pertunjukan.

Dukungan kreatif dari Gugun Gomex, Ilham Akbar, dan Arip Hidayat dalam pengelolaan panggung turut memastikan bahwa kolaborasi artistik dapat terwujud secara teknis dan estetis. Hal ini menunjukkan bahwa kolaborasi tidak hanya terjadi pada level penciptaan artistik, tetapi juga pada aspek produksi dan manajemen pertunjukan.

Makna Kolaborasi Antarseniman

Hakikat dari kegiatan ini terletak pada penekanan kolaborasi antarseniman sebagai proses belajar bersama. Setiap seniman tidak hanya menghadirkan karyanya, tetapi juga membuka ruang dialog dan kompromi artistik. Kolaborasi menjadi sarana untuk meruntuhkan sekat-sekat disiplin seni, sekaligus membangun kesadaran kolektif bahwa seni pertunjukan adalah hasil kerja bersama.

Yang membedakan kegiatan ini dari sekadar pertunjukan kolaboratif adalah nilai yang melandasinya. Kolaborasi antarseniman tidak ditempatkan dalam kerangka komersial, melainkan sebagai praktik saling mendukung dan berbagi ruang kreatif secara tulus. Setiap seniman hadir bukan untuk menonjolkan ego artistik, tetapi untuk saling menopang satu sama lain demi terciptanya pengalaman seni yang utuh. Dalam proses ini, Teater Sado berperan sebagai penghubung yang membuka ruang dialog, mempertemukan tradisi dan kontemporer, serta merajut relasi antarseniman lintas latar belakang.

Melalui kegiatan ini, Teater Sado menunjukkan bahwa kolaborasi bukan hanya strategi artistik, tetapi juga sikap kultural. Nilai kemanusiaan dan gotong royong menjadi fondasi yang menguatkan ekosistem seni lokal. Program publik ini sekaligus menjadi pengingat bahwa seni pertunjukan tumbuh dari kerja bersama, dari kepercayaan antarseniman, dan dari kesediaan untuk saling mendukung tanpa embel-embel. Dalam konteks tersebut, kolaborasi yang dibangun Teater Sado tidak hanya melahirkan pertunjukan, tetapi juga memperkuat ikatan komunitas seni di Kuningan.

Program publik Teater Sado Yayasan Sado Aan Sugianto Mas menunjukkan bahwa kolaborasi antarseniman merupakan strategi penting dalam pengembangan seni pertunjukan. Melalui pertemuan musik, tari tradisi, tari kontemporer, dan teater, tercipta karya yang tidak hanya kaya secara estetika, tetapi juga bermakna secara kultural. Kolaborasi ini menegaskan peran Teater Sado sebagai ruang temu kreatif yang mendorong dialog, inovasi, dan keberlanjutan seni pertunjukan khususnya di Kabupaten Kuningan.

Perdebatan tentang grafiti hampir selalu berangkat dari satu ketegangan klasik: antara ekspresi visual dan klaim sepihak atas ruang publik. Di satu sisi, grafiti dipahami sebagai praktik subkultural dengan logika pengakuannya sendiri; di sisi lain, ia terus dipersoalkan sebagai vandalisme karena hadir tanpa izin di ruang bersama. Ketegangan inilah yang membuat setiap upaya “mengeluarkan” grafiti dari jalan—ke galeri, pameran, atau institusi—selalu dibaca ambigu: sebagai solusi, kompromi, atau justru penjinakan.

Persoalan grafiti, dengan demikian, tidak berhenti pada soal estetika atau legalitas. Yang dipertaruhkan adalah bagaimana nilai grafiti diproduksi dan diakui. Dalam kultur street art dan grafiti, makna tidak ditentukan oleh publik luas atau institusi seni, melainkan oleh pengakuan internal di antara pelakunya. Dari titik inilah perpindahan dari jalan ke galeri menjadi relevan: bukan sebagai sekadar perubahan medium, tetapi sebagai pergeseran cara nilai, status, dan legitimasi bekerja.

Praktik Bentuk dan Medan yang (Sebenarnya Tidak) Baru

Spektrum grafiti memang luas: dari tagging, throw-up, bombing, piece, mural, hingga karakter. Yang menarik di Cirebon hari ini adalah ketimpangan visibilitas antara bentuk-bentuk tersebut. Tagging dan throw-up tersebar masif di jalanan (dan selalu ada yang baru), sementara kemunculan piece baru relatif lebih lama. Pameran Rising Wave hadir sebagai praktik lain: street art, atau dalam konteks ini agar lebih luas saya menggunakan istilah urban art (sehingga grafiti dan street art pun termasuk di dalamnya) yang tidak muncul sebagai intervensi sepihak di ruang publik, melainkan sebagai ekspresi yang telah melalui proses kurasi, pemilihan medium, dan mediasi ruang galeri.

Pameran Rising Wave di Cirebon menarik bukan hanya sebagai kabar baik bagi ekosistem seni urban Pantura, tetapi juga sebagai titik uji bagi perdebatan lama tentang grafiti, ruang publik, legitimasi kultural, tentang apakah praktik jalanan hari ini masih bekerja dengan logika subkultural yang sama, atau sudah bergerak menuju bentuk lain yang lebih dapat diterima. Tidak ada kesepakatan tunggal. Yang ada justru spektrum: antara mereka yang masih melihat ilegalitas dalam kultur grafiti dan street art sebagai syarat makna, dan mereka yang mulai mencari bentuk ekspresi lain di luar konflik langsung dengan ruang publik.

Di satu sisi, pameran ini menandai naiknya minat publik terhadap street art, selain maraknya tagging dan throw-up di Cirebon. Di sisi lain, ia memperlihatkan bagaimana praktik yang berakar dari jalanan mulai bernegosiasi — atau berkompromi — dengan ruang institusional. Negosiasi ini tidak netral. Ia selalu menyentuh persoalan nilai, status, dan terutama: pengakuan.

Modal Simbolik dan Tatanan Pengakuan

Dalam kultur street art dan grafiti, modal simbolik tidak lahir dari kualitas visual semata, melainkan dari pengakuan. Pengakuan ini bersifat internal, hierarkis, dan tidak demokratis. Ia datang dari sesama pelaku (seperti yang disampaikan di prolog), dari jaringan, dari sejarah keterlibatan, dari siapa yang tahu apa yang dipertaruhkan saat sebuah karya dibuat. Karena itu, sebuah tagging yang buruk secara estetika tetap bisa memiliki bobot simbolik tinggi jika ia hadir di lokasi berisiko, pada waktu yang tepat, dan dibaca oleh komunitas yang relevan. Sebaliknya, karya yang rapi, teknis, dan “layak pamer” bisa sepenuhnya kosong secara simbolik jika terputus dari medan pengakuan tersebut.

Dalam logika ini, perpindahan dari jalan ke galeri bukan sekadar perubahan medium, tetapi perubahan tatanan pengakuan. Di jalan, pengakuan datang dari keberanian, konsistensi, keterbacaan, dan relasi antar pelaku. Ia dibangun perlahan, sering kali dalam kondisi anonim, dan selalu rentan hilang. Di galeri, pengakuan bergeser ke kurator, institusi, kolektor, dan media. Modal simbolik tidak menghilang, tetapi dialihkan—dan setiap pengalihan selalu mengubah siapa yang berhak menilai, serta nilai apa yang dianggap sah.

Dengan demikian, Rising Wave tidak bisa dibaca netral sebagai pameran dan perluasan ruang ekspresi semata, melainkan sebagai strategi simbolik: upaya sebagian pelaku urban art untuk menjangkau sumber pengakuan dan medan baru ketika pengakuan jalanan dengan medan yang lama semakin tidak stabil, jenuh, atau tereduksi menjadi kebisingan visual. Tagging yang masif tidak lagi otomatis menghasilkan status; repetisi gaya justru sering menurunkan daya simboliknya sendiri. Dalam kondisi seperti ini, galeri menawarkan stabilitas: visibilitas yang terjaga, pengakuan yang lebih pasti, dan legitimasi yang tidak lagi bergantung pada risiko jalanan.

Modal simbolik menjadi istilah yang tidak selalu disebut, tetapi terus dibicarakan. Siapa yang masih dianggap “real”? Apakah pengakuan masih datang dari jalan, atau mulai bergeser ke galeri, pameran, dan jaringan kuratorial? Apakah tagging di ruang publik masih berfungsi sebagai akumulasi status, atau justru kehilangan daya karena repetisi dan saturasi? Pertanyaan-pertanyaan ini tidak dijawab dengan teori, melainkan dengan pengalaman, lelah, dan kadang sinisme.

Dari sini, pembacaan terhadap pameran seperti “Rising Wave” menjadi relevan. Ia tidak lagi sekadar perayaan seni karakter dan urban art, melainkan bagian dari pergeseran medan yang sedang berlangsung: dari jalanan ke galeri, dari konflik langsung ke mediasi institusional, dari modal simbolik berbasis risiko ke bentuk legitimasi yang lebih stabil — namun juga lebih jinak.

Namun membaca “Rising Wave” semata sebagai “penjinakan” juga terlalu sederhana. Pameran ini justru memperlihatkan bahwa urban art pun tidak tunggal. Seni karakter, kanvas, art toys, dan merchandise memang tidak beroperasi dengan logika ilegalitas yang sama seperti tagging atau bombing, tetapi spiritnya tetap berakar pada kultur street art: gaya visual, bahasa simbolik, dan jaringan kolektif yang tumbuh di luar institusi seni arus utama.

Pertanyaannya kemudian bukan apakah Rising Wave masih “real” menurut standar grafiti jalanan, melainkan apa yang dipertaruhkan ketika praktik street art berpindah medan. Dalam istilah Pierre Bourdieu, ini adalah pergeseran sumber modal simbolik. Jika di jalan modal simbolik lahir dari sejarah keterlibatan, pengakuan sesama pelaku, risiko hingga ilegalitas, di galeri ia mulai bergantung pada kurasi, jaringan, dan legitimasi institusional. Yang satu tidak otomatis membatalkan yang lain, tetapi keduanya bekerja dengan logika nilai yang berbeda — dan sering kali saling mencurigai.

Dalam konteks Cirebon, pameran ini justru membuka ruang dialog yang jarang terjadi: antara praktik jalanan yang masif dan berisik namun sering dianggap problematik, dan praktik galeri yang rapi dan sepi namun kerap dicurigai kehilangan daya subversif. Rising Wave memperlihatkan bahwa seni karakter dan urban art bisa memiliki gaung sendiri tanpa harus sepenuhnya memutus relasi dengan kultur jalanan. Tetapi ia juga memperlihatkan batasnya: tidak semua praktik grafiti bisa, atau mau, diterjemahkan ke dalam format pameran.

Epilog

Jika kembali ke perdebatan tentang ruang publik dan graffiti, Rising Wave menawarkan satu alternatif yang sering diminta oleh kritik anti-grafiti: ekspresi visual tanpa klaim sepihak atas ruang bersama. Namun alternatif ini datang dengan harga. Ketika konflik, risiko, dan ilegalitas dikurangi, sebagian modal simbolik yang menopang grafiti sebagai praktik subkultural ikut terkikis. Yang tersisa adalah bentuk yang lebih dapat diterima, tetapi juga lebih mudah dinetralkan.

Namun, Rising Wave bukan jawaban atas perdebatan grafiti versus vandalisme, melainkan cermin atas ketegangan itu sendiri. Ia menunjukkan bahwa urban art hari ini bergerak di antara dua tuntutan yang saling tarik-menarik: keinginan untuk diakui secara publik, dan kebutuhan untuk tetap relevan secara subkultural. Jalan dan galeri bukan dua dunia yang sepenuhnya terpisah, tetapi medan dengan aturan, risiko, dan konsekuensi yang berbeda.

Mungkin justru di situ nilai Rising Wave paling penting: bukan sebagai bukti bahwa grafiti telah “naik kelas”, melainkan sebagai pengingat bahwa setiap perpindahan ruang selalu membawa perubahan makna. Pertanyaannya bukan lagi apakah urban art sah atau tidak, tetapi nilai apa yang hilang, dan nilai apa yang diperoleh, ketika praktik jalanan memilih untuk naik ke dinding galeri.

---

Ditulis oleh:

Izhar Fathurrohim Wijaya (Sorekamari)

Izhar adalah pengarah kreatif dan pendiri Graphic Handler, studio Risograph dan penerbitan mandiri. Praktiknya meliputi seni, budaya, desain, kuratorial, programming, dan community building melalui platform Sanggar Ikhtiar, serta penguatan ekosistem artbook lintas disiplin bersama Yayasan Pustaka Seni Indonesia.

Instagram: https://www.instagram.com/sorekamari/
Blog: https://medium.com/@izharfathurrohim

---

Pameran ini menjadi penanda penting bagaimana Teater Sado menempatkan seni sebagai praktik sosial yang terus berdialog dengan konteks zamannya. Selama hampir tiga dekade, kelompok ini konsisten memproduksi karya yang tidak hanya berorientasi estetika, tetapi juga memuat refleksi sosial, kultural, dan ekologis.

Harmoni Alam, Budaya, dan Kerja Kolektif

Mengusung tema Harmoni Alam dan Budaya: Kolaborasi untuk Masa Depan Berkelanjutan, Pameran Milestone merupakan puncak dari rangkaian kegiatan yang didukung Dana Hibah Kebudayaan Kementerian Kebudayaan Republik Indonesia. Tema tersebut merefleksikan cara Teater Sado memandang seni sebagai ruang pertemuan antara manusia, alam, dan budaya.

Pendekatan ini menegaskan posisi Teater Sado yang tidak memisahkan seni dari kehidupan sehari-hari. Seni dipahami sebagai medium dialog, sekaligus sebagai cara merawat kesadaran kolektif terhadap keberlanjutan lingkungan dan nilai-nilai budaya lokal.

Pembukaan Pameran dan Apresiasi Pemerintah Daerah

Pameran Milestone dibuka secara resmi pada Minggu sore, 18 Januari 2026, oleh Funny Amalia Sari, Kepala Bidang Kebudayaan Dinas Pendidikan dan Kebudayaan Kabupaten Kuningan. Dalam sambutannya, ia menyampaikan apresiasi atas konsistensi Teater Sado dalam menghadirkan karya yang tidak hanya menghibur, tetapi juga mencerahkan dan menggugah kesadaran sosial.

Apresiasi tersebut menegaskan pentingnya peran komunitas seni dalam ekosistem kebudayaan daerah. Teater Sado dipandang sebagai salah satu entitas yang berhasil menjaga kesinambungan antara tradisi, eksperimen artistik, dan keterlibatan publik.

Arsip Hidup Perjalanan Teater Sado

Secara visual, Pameran Milestone menghadirkan dokumentasi perjalanan Teater Sado dalam berbagai bentuk. Pengunjung dapat menyaksikan naskah-naskah drama teater panggung dan teater jalanan, foto serta buklet pementasan, hingga tulisan reflektif para seniman dan budayawan tentang Sado.

Selain itu, dipamerkan pula karya tulis dan lukis dari pendiri Teater Sado, Aan Sugianto Mas. Seluruh materi tersebut disusun sebagai arsip hidup yang merekam denyut perjalanan estetik dan ideologis Teater Sado dari masa ke masa.

Pentas Pembukaan hingga Agenda Penutupan

Pembukaan pameran dihadiri keluarga besar Teater Sado lintas generasi yang hadir bersama anggota keluarganya. Suasana seremoni semakin hidup melalui pentas kolaborasi wayang ceplek oleh Asep Dheny, dengan iringan musik dari Udin Sakasada.

Pameran akan ditutup pada 24 Januari 2026 dengan pentas kolaborasi lintas disiplin. Penonton akan disuguhi bunyi Karimba dari Komunitas AKAR, tari kontemporer oleh Iing Sayuti, Tari Topeng Losari oleh maestro Nani Sawitri, serta pergelaran musik dari komposer Yusuf Oblet.

Lakon Legendaris dan Makna Keberlanjutan

Sebagai puncak penutup, Teater Sado kembali mementaskan lakon legendaris Ada Mayat Kentut karya Aan Sugianto Mas, yang disutradarai oleh D. Ipung Kusmawi. Lakon ini merupakan salah satu tonggak penting sejarah Teater Sado yang pada 2002 pernah dipentaskan di berbagai kota di Jawa Barat dan Yogyakarta. Rencananya lakon ini akan digelar sebagai puncak kegiatan pada 24 Januari 2026.

Melalui Pameran Milestone ini, Teater Sado tidak hanya menengok masa lalu, tetapi juga mengajak publik membaca ulang makna kebersamaan, keberlanjutan, dan peran seni dalam merawat kehidupan. Pameran ini menjadi penegasan bahwa kerja kebudayaan adalah proses jangka panjang yang membutuhkan konsistensi, solidaritas, dan keberanian untuk terus relevan dengan zaman.

Diselenggarakan oleh Pantura Character Connection, pameran ini berlangsung di Galeri Gramedia Grage Mall Cirebon mulai 2 hingga 31 Januari 2026. Selama hampir satu bulan, publik diajak menyelami ragam ekspresi visual para seniman karakter yang tumbuh dan berkembang dari kawasan Pantura.

“Rising Wave” sebagai Simbol Arus Kreatif Baru Pantura

Judul “Rising Wave” tidak dipilih secara kebetulan. Ia merepresentasikan semangat kebangkitan yang bergerak kolektif, layaknya ombak yang datang silih berganti namun saling menguatkan. Setiap seniman hadir dengan gaya, karakter, dan identitas visual yang berbeda, tetapi bergerak dalam satu frekuensi kebersamaan.

Pameran ini menjadi refleksi bahwa skena seni karakter dan urban art Pantura tidak lagi berjalan sendiri-sendiri. Ada arus kolaborasi, dialog visual, dan keberanian untuk tampil ke ruang publik yang lebih luas. Dalam konteks ini, “Rising Wave” bukan sekadar pameran, melainkan penanda fase baru perjalanan kreatif para pelakunya.

28 Seniman Sajikan Beragam Karya

Sebanyak 28 seniman anggota Pantura Character Connection terlibat dalam pameran ini. Karya yang dipamerkan didominasi oleh lukisan kanvas berukuran 50 x 50 cm, yang dirancang agar memiliki format seragam namun tetap memberi ruang eksplorasi visual yang luas bagi tiap seniman.

Selain karya dua dimensi, pengunjung juga dapat menemukan art toys dan merchandise sebagai perpanjangan medium ekspresi karakter. Hampir seluruh karya yang dipamerkan tersedia untuk dijual, membuka kesempatan bagi kolektor maupun publik umum untuk memiliki karya sekaligus memberi dukungan langsung kepada para seniman.

Pembukaan Pameran: Seni, Diskusi, dan Musik dalam Satu Ruang

Acara pembukaan pameran pada 2 Januari 2026 berlangsung hangat dan meriah. Sambutan disampaikan oleh Neogreenmonster yang mewakili Pantura Character Connection, serta Iqbal Alditio sebagai perwakilan Galeri Gramedia.

Pembukaan resmi ditandai dengan pemotongan pita, dilanjutkan live painting performance oleh salah satu exhibitor, Raffael, yang langsung memperlihatkan proses kreatif di hadapan pengunjung. Momen ini menegaskan bahwa seni tidak hanya untuk dipajang, tetapi juga untuk dialami secara langsung.

Rangkaian acara berlanjut dengan artist talk bersama Raffael, Ermisa, dan The Fuku, dimoderatori oleh Iqbal Alditio. Diskusi ini membahas proses berkarya, karakter visual, hingga dinamika skena seni urban di Pantura. Acara kemudian ditutup dengan music spinning oleh Nemo, menciptakan suasana santai dan cair yang mendorong interaksi antar pengunjung.

Untuk melengkapi pengalaman, pengunjung juga menikmati hidangan ringan serta kopi signature dari Komunikoffie, salah satu pendukung acara.

Melibatkan Berbagai Kolaborator

Pembukaan pameran “Rising Wave” turut dihadiri oleh sejumlah media seperti Invaderwalls, Pileofvisual, dan Wakeup.magz, yang menunjukkan perhatian terhadap perkembangan seni karakter dan urban art dari daerah.

Pameran ini merupakan hasil kolaborasi antara Pantura Character Connection dan Gramedia Grage Mall Cirebon, dengan dukungan sponsor Diton King, Raya Graff, dan Wadezig, serta pendukung acara Reps Store, Click-Clack, dan Komunikoffie.

Adapun media partner yang terlibat antara lain Invaderwalls, Pileofvisual, Wakeup.magz, Raise Up My Homies, Mature, Wildwall, dan Aduide Media.

Menguatkan Ruang Berkarya Seniman Pantura

Melalui “Rising Wave”, Pantura Character Connection menegaskan komitmennya untuk terus menghadirkan ruang berkarya, ruang diskusi, dan ruang kolaborasi bagi seniman lintas generasi, khususnya dari Cirebon dan kawasan Pantura.

Pameran ini menjadi bukti bahwa seni karakter dan urban art dari daerah memiliki daya tawar, identitas, serta potensi untuk berkembang secara berkelanjutan. “Rising Wave” bukan hanya tentang karya yang dipajang, tetapi tentang arus kreatif yang sedang naik dan siap bergerak lebih jauh.

Seluruh proses dilakukan menggunakan kamera handphone, memungkinkan respons yang spontan dan setara. Fotografi diperlakukan sebagai medium yang lentur dan ruang dialog, tempat tema-tema muncul secara organik dan perlahan mengarah pada pembacaan tentang waktu, kehidupan urban, serta hal-hal sehari-hari yang kerap luput dari perhatian.

Karya-karya ini merekam proses tersebut sebagai percakapan visual tentang foto, relasi, pengalaman, dan cara memaknai keseharian. Seluruh keuntungan penjualan akan disumbangkan kepada mereka yang membutuhkan di Aceh, Sumatera Utara, dan Sumatera Barat melalui lembaga donasi terpercaya.

36-page photo zine | A5 | Staple binding
Stora Enso 90 gsm (isi) — Materica Acqua 120 gsm (sampul)
Harga: Rp130.000,-
Info Pemesanan : +6285624010666 (WhatsApp Baskara Puraga/Aga)

Kegiatan Satu Nafas Sumatra merupakan kolaborasi lintas komunitas yang melibatkan lebih dari 20 komunitas seni, budaya, dan kepemudaan di Kabupaten Kuningan. Sejumlah komunitas yang terlibat antara lain Tudgam, Aduide, Teater Sado, Mapala Kuningan, BEM Uniku, serta TBM Pondok Kata RZ. Aksi ini diinisiasi oleh Yayasan Hibar Budaya Nusantara sebagai bentuk respon kolektif atas bencana ekologis yang melanda wilayah Sumatra.

Tidak sekadar menjadi ruang penggalangan empati dan solidaritas, kegiatan ini juga dimaknai sebagai seruan kesadaran bersama akan pentingnya menjaga keseimbangan alam. Bencana diposisikan bukan semata sebagai peristiwa alam, melainkan sebagai refleksi dari relasi manusia dengan lingkungannya yang semakin rapuh.

Kegiatan Satu Nafas Sumatra turut dihadiri oleh Kepala Dinas Sosial Kabupaten Kuningan, unsur Sekretariat Daerah (Setda), serta Danramil Kuningan. Kehadiran unsur pemerintah dan aparat ini menjadi penanda dukungan terhadap gerakan kemanusiaan berbasis komunitas, seni, dan budaya yang tumbuh dari inisiatif warga.

Rangkaian acara diisi dengan beragam ekspresi seni dan budaya, mulai dari pertunjukan angklung buncis, pembacaan puisi, musik eksperimental, hingga performans seni lainnya. Seluruh penampilan dirancang untuk mengangkat nilai empati, solidaritas sosial, serta refleksi ekologis yang relevan dengan konteks bencana alam.

Salah satu momen paling mengharukan hadir melalui persembahan Wihendar Local Musica yang mengajak seluruh peserta mengikuti flash mob menyanyikan lagu Padamu Negeri. Lagu tersebut menggema sebagai simbol kebersamaan dan kepedulian lintas wilayah, menyatukan emosi peserta dalam satu nafas solidaritas.

Selain pertunjukan seni, kegiatan ini juga menghadirkan sesi video conference dengan masyarakat Aceh Tamiang. Ruang temu virtual tersebut menjadi jembatan batin antara masyarakat Kuningan dan wilayah terdampak bencana di Sumatra, sekaligus membuka ruang bagi penyampaian langsung suara, cerita, dan harapan dari masyarakat yang berada di garis depan bencana.

Ketua Yayasan Hibar Budaya Nusantara, Indra Tulang, menegaskan bahwa bencana yang terjadi harus dibaca sebagai peringatan bersama bagi seluruh masyarakat. Dalam pernyataannya, ia mengutip pepatah Sunda yang sarat nilai kearifan ekologis:

“Leuweung teu meunang di lebur, lebak teu meunang di ruksak. Ieu mangrupakeun pepatah ti kokolot Sunda anu kudu urang pageuh keukeuh. Lamun urang hayang alam tetep lestari, maka aturan karuhun ieu teu meunang dipopohokeun. Gunung Ciremai téh lain ukur gunung, tapi titipan pikeun anak incu, ulah diruksak.”

Pernyataan tersebut menegaskan bahwa Satu Nafas Sumatra bukan hanya aksi kepedulian kemanusiaan, tetapi juga peringatan ekologis bagi masyarakat Kabupaten Kuningan. Kesadaran untuk menjaga alam, khususnya kawasan Gunung Ciremai dan lingkungan sekitarnya, dipandang sebagai tanggung jawab bersama lintas generasi.

Melalui kegiatan ini, Yayasan Hibar Budaya Nusantara berharap Satu Nafas Sumatra dapat menjadi pemantik gerakan berkelanjutan, memperkuat solidaritas antarwilayah, serta menumbuhkan kesadaran kolektif bahwa menjaga alam sejatinya adalah menjaga kehidupan bersama.

Dalam beberapa tahun terakhir, iket Sunda kerap dipandang tidak relevan dengan kehidupan modern dan bahkan masih dikaitkan dengan stigma negatif, misalnya dianggap sebagai atribut dukun atau sekadar kostum pertunjukan. Pandangan tersebut turut diperkuat oleh pernyataan Pak Ramdan, mantan Ketua Komunitas Iket Sunda (KIS) Majalengka, yang mengungkapkan bahwa minat masyarakat khususnya remajaterhadap penggunaan iket semakin menurun seiring jarangnya ditemukan media promosi yang dekat dengan gaya visual generasi saat ini. Kurangnya promosi yang komunikatif membuat iket Sunda semakin terpinggirkan, sehingga diperlukan pendekatan kreatif agar budaya ini kembali mendapat perhatian.

Melihat kebutuhan tersebut, Zidan memanfaatkan kekuatan visual poster sebagai media yang efektif untuk menyampaikan pesan budaya secara persuasif dan modern. Poster dipilih karena mampu menghadirkan visual yang kuat, mudah dipahami, serta dapat menjangkau audiens luas melalui distribusi digital maupun fisik.

Dalam karyanya, Zidan mengangkat lima model iket Sunda buhun yang paling dikenal, yaitu Barangbang Semplak, Julang Ngapak, Parengkos Jengkol, Parengkos Nangka, dan Parengkos Gedang. Kelima model ini dipilih berdasarkan hasil wawancara dan dokumentasi demi mempertahankan autentisitas serta memastikan bahwa ragam bentuk iket dapat dikenali masyarakat secara lebih dekat. Seluruh model divisualisasikan melalui sesi pemotretan dengan model laki-laki dan perempuanmenggunakan sudut pengambilan gambar eye-level, sebuah teknik yang membantu mempertahankan kesan natural sekaligus memberikan fokus jelas pada bentuk iket yang dikenakan. Foto kemudian diolah menggunakan teknik digital imaging di Photoshop, termasuk masking, blending, retouching, dan color grading untuk menghasilkan visual futuristik yang kontras namun tetap menghormati nilai budaya tradisional.

Konsep desain poster mengusung tema futuristik–cyberpunk, dengan menonjolkan warna hijau kontras sebagai ciri khas gaya visual tersebut. Zidan memadukan tipografi dekoratif seperti Bruno Ace dan Sunda v Unpad sebagai elemen grafis yang memperkaya nuansa visual, sementara Gotham Medium digunakan untuk teks isi agar tetap mudah dibaca. Perpaduan elemen modern dan tradisional ini bukan hanya estetis, tetapi juga dimaksudkan untuk menarik perhatian remaja yang akrab dengan gaya visual digital dan futuristik, sehingga memudahkan mereka menerima pesan budaya yang disampaikan.

Poster ini dipublikasikan melalui media digital seperti Instagram, Facebook, TikTok, dan Twitter untuk memperluas jangkauan audiens di berbagai platform. Pada media konvensional, poster dicetak dalam ukuran A3 dan ditempatkan di beberapa titik strategis di daerah Kecamatan Cikijing sebagai bagian dari kampanye visual offline. Selain itu, Zidan juga merancang konten pendukung berupa carousel tutorial memakai iket, carousel sejarah, filosofi, dan fungsi iket Sunda sebagai upaya edukasi berkelanjutan yang lebih interaktif dan mudah diakses masyarakat.

Zidan menyampaikan bahwa melalui karyanya ia ingin menunjukkan bahwa iket Sunda bukan hanya warisan budaya kuno, tetapi simbol identitas yang patut dibanggakan dan dapat tetap relevan di era modern. Pendekatan futuristik ini diharapkan mampu memicu ketertarikan remaja untuk kembali mengenal, memakai, dan melestarikan iket Sunda. Ia mengajak masyarakat, khususnya generasi muda Jawa Barat, untuk ikut mendukung pelestarian budaya dengan mengikuti akun promosi iket Sunda, menggunakan iket dalam kehidupan sehari-hari, dan mendukung karya kreatif lokal. Seruan “Hayu ngagaya bari ngajaga budaya, Hayu make iket Sunda!” menjadi ajakan penutup yang memperkuat pesan budaya ini.

Untuk informasi lebih lanjut, permintaan liputan media, atau pihak yang berkepentingan dapat menghubungi Zidan Al-Khaidar melalui akun sosial media @iketsunda4 atau melalui email di iketsunda4@gmail.com.

Banyak seniman dan penulis bekerja sendiri atau hanya untuk lingkaran kecil tertentu, Kesepian itu tumbuh seperti kabut menyelimuti, memisahkan, dan menunda banyak kemungkinan. Namun dalam beberapa pekan terakhir, suasana itu perlahan retak. Sebuah gerak kecil muncul, lalu merambat, dan mulai terasa. Cirebon yang tadinya menunduk kini sedikit mengangkat wajahnya. Kota ini seperti mendengar ketukan halus dari sesuatu yang kembali ingin hidup.

Gerak itu dimulai dari Pekan Sastra Cirebon, ketika kata-kata kembali berkumpul setelah lama tercerai-berai. Di sana, sastra menjadi jembatan dan menjadi ruang temu, percakapan menjadi alat untuk menembus jarak yang selama ini memisahkan. Retak kecil itu bukan sekadar program, melainkan penanda bahwa sastra di Cirebon belum padam, ia hanya menunggu panggilannya kembali.

Tidak lama berselang, hadir FKSM (Festival Komunitas Seni Media). Untuk kota yang cenderung berjalan dalam ritme tenang, FKSM muncul sebagai keberanian yang tak lazim. Ia gelisah, eksperimental, dan berani mempertanyakan bentuk. Ia membuka ruang bagi praktik yang selama ini jarang diberi tempat, seni video, bunyi, performans digital, dan bentuk-bentuk pencarian yang tidak selalu nyaman bagi publik arus utama. FKSM menegaskan bahwa seni bukan sesuatu yang statis, ia selalu mencari jalan baru untuk bertahan, bahkan dalam lorong-lorong sepi.

Dan dalam hitungan hari kemudian, Cirebon disinggahi Borobudur Writers & Culture Festival, sebuah festival besar dengan jejaring nasional dan internasional. Bagi Cirebon, kedatangannya bukan sekadar peristiwa, melainkan jendela yang membuka cakrawala lebih luas. Ia membawa gagasan baru, pertemuan lintas-batas, dan harapan bahwa kota ini tidak hanya melihat dunia, tetapi juga dilihat oleh dunia. Cirebon yang selama ini bergerak dalam lingkaran kecil, tiba-tiba memiliki kesempatan untuk menyentuh orbit yang lebih besar.

Ketiga peristiwa ini menandai perubahan yang penting. Tahun-tahun kesepian yang membuat seniman bekerja dalam jarak dan keraguan perlahan menemukan udara. Semua ini bukan sekadar agenda budaya, melainkan gejala bahwa kehidupan kesenian Cirebon masih berdenyut. Bahwa di balik diam yang panjang, ada yang terus menyala.

Pertanyaannya kini, dapatkah rangkaian peristiwa ini benar-benar menjadi pemantik awal bagi kebangkitan ekosistem seni di Cirebon?

Dapatkah ia menghidupkan kembali keberanian yang sempat patah, mempertemukan para seniman yang saling asing dalam satu kota, dan meneguhkan bahwa mereka tidak pernah benar-benar sendiri?

Yang dibutuhkan selanjutnya bukan hanya festival, melainkan kesinambungan. Perjumpaan yang tidak habis dalam satu malam. Dialog yang terus tumbuh. Ruang-ruang yang tidak sekadar dibuka untuk satu acara, tetapi dirawat agar menjadi ekosistem. Dan lebih dari itu, diperlukan kepercayaan para pelakunya, bahwa karya mereka layak berjalan lebih jauh daripada lingkaran kecil tempat mereka biasa berkarya.

Cirebon memiliki modal kebudayaan yang kaya, percampuran tradisi, keberagaman latar, keramahtamahan pola hidup, dan sejarah yang membuatnya selalu menjadi titik temu berbagai gagasan. Kota seperti ini, sejak lama, adalah tempat baik bagi kreativitas untuk tumbuh. Yang diperlukan hanyalah dorongan untuk membuatnya kembali bergerak.
Pada akhirnya, pertanyaan besar itu masih menggantung, menunggu jawabannya dari mereka yang hidup di dalamnya.

Mungkinkah Cirebon benar-benar tengah bersiap untuk bangkit?

Mungkinkah tiga peristiwa ini menjadi bara kecil yang kelak menyalakan api yang lebih besar?

Mungkinkah kota yang sempat begitu sunyi ini akan kembali memiliki panggung yang hidup dan dihidupkan bersama, dirawat bersama?

Semoga jawaban itu perlahan tiba. Dan semoga, kali ini, Cirebon tidak lagi menahan napas, tetapi mulai bernapas panjang, lega, menuju masa depan kesenian yang lebih terbuka dan berani.
Semoga!

Kuningan, 23 November 2025

---

Ditulis oleh:

Agung M. Abul

Penulis, Seniman, Kepala Balai Edukasi & Ekosistem Kuningan, Founder Yayasan Tulisan dan Gambar (tudgam)

---